24/5/16

el gato naranja - poética . literatura . zinética . crítica

CALLE DE LAS GUAPAS. DE MI INTERPRETACIÓN DEL ESPACIO
 POR WILLIAM ANDRES AGUIRRE CORTES
 

De la tarde a la noche  muta el cuerpo, el nombre, el estilo cambia, la indumentaria es la forma perfecta que se hace  vital para la fanfarria del concreto, del escondido sexxxo, el cambio ha sido bellamente doloroso, pero al fin y al cabo son guapas.
La calle de las guapas opera como un no lugar, se pretende escondido a los ojos de la multitud, al margen periférico, de lo convencional, de la normalidad del cuerpo y de la sexualidad formal y aceptada. Sus visitantes son intermitentes, carentes del placer que allí encuentran, formas voluptuosas que exageran sus gustos pegajosos.


El placer y la clandestinidad se juntan para hacer una vida que deviene en miradas y contratos orgásmicos, cortos como el placer del cuerpo, sus perfumes siempre son de altos costos y sus ropas la piel que habitan, que se desgarra por un precio debidamente acordado.  En los límites del mercado público siempre están las bellas formas, las deseadas formas del placer completo que altera al clero y nuestros padres. Este espacio se transforma con las horas, con el paso del tiempo, el atardecer es perfecto para encontrar la sensualidad de la calle de las guapas. 

La fotografía opera como la imagen de la transformación en este espacio, como el cambio de los personajes en el tiempo y el espacio vueltos sedimento periférico, vueltos cuerpos deseados, usados, gustosamente violentados. Los personajes habituales son de allí en las horas convenidas…en la calle de las guapas estas fotografías devienen imagen de una imagen, mágica bidimensionalidad fotográfica en oposición a la tridimensionalidad de lo real, en el fondo la existencia, el agotamiento y en el borde de estas imágenes lo que nunca podrán mostrar y que dan qué pensar.   

                                                     William Andrés Aguirre Cortes. 

EL BLANCO Y EL NEGRO, LA VARIACIÓN DE LOS COLORES EN MONOCROMÍA. 


En la gama de colores el blanco y el negro operan no como la ausencia del color sino como la narración propia de lo documental/subjetivo, una forma más de mostrar lo social y de sedimentar el acontecimiento y, el retrato y el paisaje periférico no como una forma o técnica fotográfica (aunque lo es) sino como un re-tratar o un nuevo trato con lo fotografiado;  todas las tonalidades que se experimentan en la escala de grises operan como colores, recordando a Matiz, todas las variaciones del blanco y el negro son colores al mismo tiempo; donde la violencia como tema de investigación y de estudio no es solamente el abrazo del guerrero con la guerra. 


Considero que en muchos casos el color tiende a distraer un poco la atención de una escena que pretende evidenciar, sedimentar y denunciar ciertos aspectos sociales que tienden a ser ocultos por cierta comodidad moral y colectiva que no mira al margen y centra su atención en sí misma. A mi juicio la imagen fotográfica en blanco y negro evoca al pasado, al pasado inmediato de cualquier fotografía que por más actual que sea ya es parte de lo que-ha sido recordando un poco a Barthes,  una fotografía es pasado inmediato, captura de lo que ya no es pero está en la imagen misma realizada. En la escala de grises siempre encuentro importancia vital en los sujetos vivos, los elementos de la imagen juegan alrededor de lo importante, en mi caso, las personas y sus historias; los acontecimientos no se distraen con los colores de los objetos, evocan como toda imagen fotográfica al pasado, al cimiento del presente periférico que me interesa escribir con la luz. 


WILLIAM ANDRES AGUIRRE CORTES
Licenciado en Ciencias Sociales. candidato a magister en filosofia de la Universidad de Caldas.) Fotografo documental, Profesor catedratico en la Universidad  de Caldas.

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noticiero poético para américa latina

Director:  Rafael Urrea Soto. Comité editorial: Jaime Eduardo Jaramillo, Víctor Gaviria, Mauricio Trujillo,  Andrés Quintero, Juan Diego Velásquez Romero, Jandey Marcel Solviyerte,  Carlos Calle ArchilaCarlos Mario Uribe,  Edgar GonzalezRaúl González, Héctor Jaime Carvajal, León Darío Gil, Fernando Cuartas, Ulises Giraldo , William Aguirre y Mario Armando Valencia. Participan desde Buenos Aries (Argentina)  el poeta Juan Gómez, desde La Paz Bolivia Carlos Idrobo, desde Nueva York Julio David Gonzalez y desde Sidney (Australia) Carlos Cuéllar.

Mayo de 2016 
Conmemorando dos decadas 
sin LUIS ALBERTO ALVAREZ 

 



el gato naranja literatura poética zinetica critica

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-FASSBINDER REVISITADO-

LA DIFICIL TERNURA, LA VIDA PROVOCADA.
POR LUIS ALBERTO ALVAREZ

Lili Marleen 1980


Presentamos un fragmento del evocador ensayo LA DIFICIL TERNURA sobre RAINER WERNER FASSBINDER escrito por Luis Alberto Alvarez en el Periódico El Colombiano y compilado en el Tomo 1 del libro Páginas de Cine.



RAINER WERNER FASSBINDER
Bad Wörishofen (Baviera) el 31 de mayo de 1945 y murió en Múnich el 10 de junio de 1982



RAINER WERNER FASSBINDER

La difícil ternura


Por LUIS ALBERTO ALVAREZ

Le digo que estoy mortalmente cansado
de representar lo humano sin tomar parte de lo humano.
Thomas Mann, Tokio Kröger,
citado en los créditos finales de Cuidado con una santa prostituta,
de Rainer Werner Fassbinder, 1970

Ante el gran público reunido para la entrega de los premios Oscares del año pasado, el entertainer Johnny Carson lanzó de pronto una exclamación que dejó desconcertados a muchos: “El mayor ganador de dinero de este año fue… “¡Columbia!”. La gente se miró extrañada durante la pausa artística que Carson hizo seguir a su afirmación, antes de explicar a qué se estaba refiriendo: “No Columbia Pictures naturalmente…¡estoy hablando de Colombia, el país  sudamericano…!”.  La gente se rió porque había entendido muy bien el chiste. Cualquiera creería que, inesperadamente, una película colombiana había obtenido éxito arrollador en los mercados americanos… Pero Carson no estaba hablando de productos cinematográficos, sino de una industria mucho más desarrollada, la del Columbian Sniff, que en Hollywood ha encontrado la más grande resonancia y que no hace mucho cobro allí su víctima más importante, en la persona del actor John Belushi, de 33 años. Este había dicho poco antes: “Es mejor quemarse de una vez, que ir consumiéndose poco a poco”.


Faustrecht der Freiheit, 1974 - La ley del más fuerte 1974

Rainer Werner Fassbinder, tres años mayor que Belushi, había dicho algo semejante refiriéndose a su próxima película. “Se trata de una persona que está en capacidad de elegir libremente si acepta o no vivir con la droga, con la más clara conciencia de que si se decide a aceptarla, su vida será más corta, pero también más intensa.
El día de Corpus de este año, la montajista Juliane Lorenz encontró, en su común apartamento, el cuerpo sin vida de Fassbinder, realizador de cine alemán, el más prolífico  de los directores de nuestra época ( y probablemente de la historia del cine). Los médicos indicaron como causa del deceso el uso en proporciones mortales de cocaína y barbitúricos. Al pie del cadáver estaba el guión en elaboración de una película. Parecía como si Fassbinder se hubiera quedado dormido mientras trabajaba. No hay duda de que pretendía seguir viviendo.



Berlinalexanderplatz Serie de  cine para televisión 1980


La vida provocada

En 1979, Fassbinder vino al Festival de Cartagena, donde se proyectó su película Desesperación. Un viaje hacia la luz.  Es marzo y el alemán tiene tras de sí la filmación del personalísimo episodio en la película colectiva Alemania en otoño.  Un mes antes ha estrenado en el Festival de Berlín El matrimonio de María Braun, que va a convertirse muy pronto en éxito internacional avasallador. Además ha concluido las dos películas más personales, difíciles y terribles de su carrera: En un año con trece lunas y La tercera generación. Es el momento del descenso al infierno. Está escribiendo, a marchas forzadas, el guión de la serie televisiva Berlínalexanderplatz, catorce horas de cine concebidas, escritas y realizadas en un tiempo impresionantemente breve.


El mercader de las cuatro estaciones 1971


Fassbinder viene a Cartagena, no en busca de “Columbia”, sino de “Colombia”. Por aquellos días su consumo del polvo blanco alcanza el precio de 10.000 dólares mensuales, según le informa quien le estaba muy cerca. Por su parte el director suizo Daniel Schmid quien comparte con Fassbinder un apartamento en Paris, cuenta un año más tarde, también en Cartagena, que el trabajo en Alexanderplatz, se está haciendo de modo mecánico y desganado, sin el gusto de los proyectos de antes. Con todo, el resultado de la serie, pese a irregularidades y a  problemas que causan fuertes polémicas, alcanza momentos de maravillosa inspiración. Michaell Ballhaus, su director de fotografía durante quince películas y nueve años, confirma que en los últimos años la atmósfera de antes ha ido desapareciendo gradualmente y que los amigos de siempre están cada vez menos dispuestos a aguantarse a Fassbinder. Todavía es muy difícil establecer un balance estético del que resultó ser el último periodo de la vida de Fassbinder. Por una parte encontramos en él películas como Lili Marleen, francamente insulsa y decepcionantes en más de un sentido. Por otra hay réquiems terribles, intrincados, parcialmente sublimes, como Trece lunas y La tercera generación. Pero estas son, al mismo tiempo obras cerradas e inaccesibles, neuróticas, casi insoportables. Y también tenemos cosas como El matrimonio de María Braun, que son una síntesis entre lo personal y la apertura de un sistema standard de producción, declaradamente comercial y con miras a mercados internacionales amplios. En todo caso creo que puede afirmarse que el índice general de creatividad disminuye notablemente, mientras que, paradójicamente, parece que el director comenzara, por primera vez, a sentirse infantilmente cómodo en el papel de genio. Declaraciones como la concedida a L”Express de París, dejan bastante desconcertado: “Quisiera ser para el cine lo que Shakespeare es para el teatro, Marx para la política y Freud para la psicología; alguien después de cuya existencia ya nada es como era antes”.

Fassbinder, quien fue siempre una persona de difíciles relaciones y fidelidades, llegó en estos años a las crisis más fuertes con sus amigos y colaboradores de siempre. Sus planes para el futuro incluían proyectos que uno no acierta a imaginar en manos suyas, como la vida de Rosa Luxemburg, con Jane Fonda, algo como para Warren Beatty o para el cine soviético hagiográfico. Por lo que se refiere a su última película. Querelle, hay una historia sucia. La obra de Jean Genet era la base del proyecto favorito de Warner Schroeter, amigo de Fassbinder por muchos años. Schroeter no había podido llevarlo a cabo porque la comisión de ayuda federal lo había rechazado y su productor no tenía todo el dinero para hacer solo la película. Entonces Fassbinder se ofreció a poner lo que faltaba, a condición de que él, y no Schroeter, la dirigiera. Como si fuera una de sus propias películas, Fassbinder se sirvió del dinero para traicionar a un amigo. Es también en esta última época cuando Fassbinder comienza a ser descubierto por la distribución y exhibición de comerciales. Un fenómeno diciente sobre las instituciones que son capaces de comprender las cosas sólo cuando han bajado de nivel, cuando se están deslizando gradualmente hacia la insignificancia. 



El mercader de las cuatro estaciones 1971


El Fassbinder que distribuye Cineco es Lili MarleenMaría Braun podría parecer demasiado fina e incomprensible. El Fassbinder que ha llegado a las taquillas es como un libro de Selecciones o como una sinfonía de Mozart arreglada por Waldo de Los Ríos. A lo mejor Querelle se convierta en una especie de Saló. ¿Quién sabe como habrá terminado siendo, esta última película?... Puede ser un testamento terrible y cruel, la última carta de uno de los directores más originales de nuestra época o, quien sabe, a lo mejor la prueba de que Fassbinder, a los 36 años y después de 42 películas, había comenzado a no tener más que decir.
En muy pocos años Rainer Werner Fassbinder creó una serie de obras apasionantes y novedosas, películas que nos permiten parar por encima de cosas como Lili Marleen y hacer caso omiso de que sean del mismo autor. Un actor alemán nos habla de su propia experiencia con la cocaína: “Uno piensa que está maravilloso ante la cámara, que cada mirada es correcta, que cada gesto es preciso. Pero la verdad es otra. Todo esto tiene lugar solo en la cabeza. En realidad, el rostro se vuelve como de piedra, ya nada sale como debiera. Es aterrador”. Rainer Werner Fassbinder, al parecer, había comenzado a vivir un fenómeno similar. Su cine estaba principiando a volverse de piedra, en el momento en que él mismo comenzaba a sentirse contento en su papel de director de éxito. Hubo un proyecto que se anunció varias veces pero que nunca llegó a realizarse: la intérprete iba a ser Romy Schneider (con quien Fassbinder había soñado para María Braun) y estaba basado en una novela que en los cocainómanos años veinte fue algo así como un objeto de culto: Cocaína del periodista italiano Pitigrilli. Fassbinder se bajó del escenario antes de poder dedicarle una película a esa dama engañosa, a esa droga que le hacía creer cosas que no eran ciertas y que terminó matándolo.

Querelle 1982

Durante muchos años la vida de Fassbinder fue intensa, salida de sus cauces. Pero era siempre “su vida”. La otra fue la “vida provocada” como la llama de Gottfried Benn. Ahora no faltará quien mitifique esta muerte (aunque la figura rechoncha, burda y fáunica en Fassbinder no se preste a estilizaciones). Pero ella pudo no haber ocurrido. Fassbinder tenía suficiente energía, suficiente inteligencia para seguir haciendo cosas importantes y maravillosas. Siete proyectos estaba preparando cuando murió y podrían haber sido muchos más, no importa que entre ellos hubieran varias Lili Marleen. En febrero lo vi en Berlín respondiendo preguntas. Una espectadora, aterrada con el pesimismo de La nostalgia de Verónica Voss, prácticamente le preguntaba por qué no se había suicidado. La respuesta de Fassbinder fue: “Pienso que, pese a las cosas terribles y a las peores experiencias que uno pueda vivir, es preferible estar aquí, que no estar”.

Fuente: Páginas de cine 1. Editorial Universidad de Antioquia 2005



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Mayo 24 de 2016 
Conmemorando dos decadas 
sin LUIS ALBERTO ALVAREZ 

 

28/1/16

EL ABRAZO DE LA SERPIENTE, MAS ALLA DEL CINE / Léalo en ZINETICA - el gato naranja, noticiero poético para américa latina




EL ABRAZO DE LA SERPIENTE
MAS ALLA DEL CINE





Por Rafael Urrea Soto
especial ZINETICA


El Abrazo de la Serpiente la película dirigida por Ciro Guerra, con producción de Ciudad Lunar Producciones de Colombia, es una aventura que discurre en dos tiempos, en 1909 cuando  el etnólogo alemán Theodor Koch-Grünberg (1872-1924) visitó el Vaupés, la selva colombiana que limita con Brasil,  su encuentro con el Chaman Karamakate, y la expedición del Etno-botánico Richard Evans Schultes en 1940 en busca de una planta sagrada que le ayudara a curarse de su imposibilidad de soñar. 

En este reencuentro con la memoria de Theo, como le llamaran Karamakate y Manduca sus compañeros de viaje, Evans es acompañado por Karamakate,  el guía, aunque se denomina así mismo un Chullachaqui, “una cáscara vacía de hombre, sin emociones ni recuerdos”. 
El amazonas respira como una gigantesca serpiente Anaconda, que es como la representación astral del bien y del mal, o de la tierra sagrada, vigilada por cerros tutelares y serpenteada por ríos caudalosos.

 
 
Y no es precisamente una historia sobre los estados alterados de unas conciencias en el placer pleno por sus rituales ancestrales, es una contemplación magnifica, los ríos fluyen con su savia perfecta, los animales hacen su concierto imposible, los indígenas de comunidades como los Cubeos, Wananos, Huitotos, Tikunas y un sin número de comunidades del Vaupés  tienen a los cerros tutelares como su lugar sagrado.
En esta experiencia el tiempo ha desdibujado la memoria del etnólogo, el biólogo y de los habitantes de estas tierras mágicas, la película retorna a la memoria de estos viajeros incansables, que recorrieron las selvas en busca de las riquezas de la botánica y la medicina de la actualidad.
Yakruna, es como una palabra mágica o como un vellocino de oro, aquí el héroe muere en su intento de regresar a su casa, y es el mismo Karamakate en su encuentro con el viajero del tiempo, Richard Evans Shultes el que guarda el secreto, el tesoro o el grial llamado aquí Yakruna.

Serpentean ante nuestros ojos estos hombres que brillan, que traen el brillo del nácar, que dejan el polvo de nácar en cada paso, ese brillo que es como fluido infinito, donde el ser humano, el ánima del jaguar, la serpiente, el cielo infinito son una sola presencia, allí, le llama Karamakate, Canción, o más que eso, rumor de la selva en presencia de todos los fluires, de todas las hojas que suenan incansables, las semillas que se riegan de mano en mano, el árbol de la lluvia esta ahí presente, no se detiene ese sonido.


Y allí la denuncia a las misiones católicas, que hicieron tanto “bien” y tanto mal, esas delirantes escenas, donde el mundo se acerca a los límites, allí el universo perfecto en la mente de Karamakate se pone en riesgo, la maldad es en sí misma una representación en contra del orden de la naturaleza. En estas selvas donde ha corrido sangre como ríos, donde miles de huérfanos, vagan perdidos entre las manos de los monjes imperfectos.
O de los caucheros que exterminaron y dejaron una gran herida en la selva. O de la savia de la tierra que es la clave de la magia de esta historia, la que cuenta el secreto que yace en las piedras del río, en el cielo, en el universo, esos hombres comunes que viajan sin parar, que aman la aventura y que no se rendirán jamás, son como un rayo que te ciega y te hace mirar para adentro por largos días.
Ganadora de premios en el Festival de Cannes 2015, Sundance 2016 y Nominada al Oscar de mejor película de habla no inglesa 2016 entre otros premios recibidos en festivales de todo el mundo. El abrazo de la Serpiente es un reclamo a un mundo sin conciencia de su propia autodestrucción, anuncia la existencia de un asombroso lugar, las selvas del Vaupes en el Amazonas Colombiano, un llamado a revisar el conocimiento, la ciencia y la magia que habita en el espíritu del jaguar. Maravilla es el nombre, es una película que está más allá del cine, está construida con la savia del asombro.

Año 2015
País: Colombia 
Director: Ciro Guerra Produccion: Cristina Gallego.
Guion: Ciro Guerra y Jacques Toulemonde basado en los relatos de Theodor Koch-Grünberg

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el gato naranja - noticiero poético para américa latina 
Seccion zinética Edición  de Enero  2016



13/6/15

el gato naranja - literatura poética zinetica crítica LAS BABUSHKAS DE CHERNOBYL

el gato naranja - literatura poética zinetica critica

LAS BABUSHKAS DE CHERNOBYL
o la Abuela de la mermelada de frambuesas.

Por RAFAEL URREA SOTO
Especial  ZINETICA
Nueva York.





La abuela que recoge con mística sus frambuesas, camina sonriente en los campos solitarios. Ya no hay carcajadas de niños, solo el viento que sopla moviendo con fuerza los tejados, el agua llena de plomo saludablemente misteriosa. En su casa, hay unos altares con fotos en blanco y negro, sus hijos, sus hermanas y padres, las tumbas de sus seres queridos sembradas en los patios cada uno, como un árbol recién plantado.



Fotografia: Yuli Solisken


LAS BABUSHKAS DE CHERNOBYL el largometraje documental de  Holly Morris y Anne Bogart presentó su premiere para la prensa ayer en Nueva York con motivo de su estreno mundial en LOS ANGELES FILM FESTIVAL 2015 que se llevara a cabo en este mes de junio. Esta evocadora experiencia, muestra a través de la vida común de las Babushkas, las costumbres y la relación con la naturaleza de estas campesinas,  que viven en la zona de exclusión de Chernóbyl y han sobrevivido a diversos holocaustos desde su infancia. 


Fotografia: Yuli Solisken




Y es esa simplicidad de sus vidas, la que sorprende, el tratamiento de las directoras, que con una alta sensibilidad, nos llevan al interior de esas vidas solitarias, de un pequeño grupo que representa a un centenar de abuelas olvidadas, que sufren en soledad la enfermedad y que a pesar de las dificultades, sobreviven aun a la tragedia  de la contaminación de plomo, uranio y otras sustancias contaminantes presentes en su vida diaria. Esta tragedia se refleja, en los campos que cultivan con esmero para la supervivencia, en las canciones que recuerdan a sus niños muertos, su deseo de vivir y manifestar el goce de la vida, en cada instante.




En Stalker, Andrei Tarkovsky había ya representado en 1979 que habían unos secretos guardados detrás de una “ZONA”, para este caso, pareciera, este documental devela la presencia de más “ZONAS” Chernobyl es apenas una muestra, el accidente nuclear por excelencia, más nombrado y recordado de la historia de la humanidad. 

La vida debe continuar, las abuelas se reúnen alrededor del vodka, y sus comidas tradicionales, que en una humildad suprema, celebran la unión de esas memorias, de los miles de muertos en la tragedia, las abuelas cantan, danzan su memoria intacta y muestran el sentido religioso de su culto ortodoxo y su relato poético,  profundo,  de su humanidad.


Las Directoras HOLLY MORRIS y ANNE BOGART


Este maravilloso documental actualiza abiertamente, la polémica entorno al uso de la energía nuclear, muestra los protocolos de los soldados y los científicos que visitan estas abuelas haciendo control a la presencia radioactiva en sus cultivos, sus frutos y la comida que a diario consumen. Ellas salen de pesca, van buscando un motivo cada día para esta visión olvidada y apocalíptica, como en el film Stalker, aun hay mercenarios que tratan de enfrentar la seguridad de LA ZONA, de sobrepasar el limite y auscultar sus secretos, pero estos Stalker posmodernos, vienen armados de cámaras y tratan de cazar imágenes para el mercado de sus videojuegos.




Fotografia: Chris Bairstof


Hay un lugar vedado para la memoria, la claridad, la luz, el entendimiento, y hay unos seres que se resisten al apocalipsis, y lo cantan dulcemente, como la abuela que diariamente recoge los frutos y hace con felicidad su mermelada de frambuesa.


"Mi abuelo combatio el incendio de Chernobyl. El estuvo aquí en contra de su voluntad; Yo elegí venir.  A él no le gustaría saber que yo vengo aquí."
"STALKERS" UNA SUBCULTURA 
QUE EXPLORA LA ZONA MUERTA DE CHERNOBYL.



Holly Morris es escritora y directora de los documentales "Paradox Found", "Behind Closed Chadors", "Mana Wahines", y "Holy Cow", ha trabajado en países como Nueva Zelanda, India, Cuba, PBS en los Estados Unidos y mas de 20 países del mundo.


Anne Bogart .Productora y directora de televisión ha filmado en diversos países alrededor del mundo para PBS travel las serie “Globe Trekker” por 12 años. Ha dirigido numerosos programas y documentales en francés e ingles como “Eurotrash” entre otros. 

                                             http://thebabushkasofchernobyl.com/#film


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Seccion zinética Edición  Junio de 2015