EL CINE COLOMBIANO EN NUEVA YORK
THE INTERNACIONAL COLOMBIAN FILM FESTIVAL
Por Rafael Urrea Soto
Un acontecimiento validado
por la gran movilización en torno a un suceso nunca antes visto fuera de las
fronteras colombianas, que dice mucho de la calidad de nuestros artistas del
séptimo arte y revalida conceptos acerca de cómo se trata la labor de
productores y directores en Colombia, sucedió en el mes de marzo en el
tradicional Barrio de Tribeca. Por China Town podían verse a Colombianos
dándose una vuelta por los alrededores antes de empezar la fiesta, por Soho,
igualmente se encontraba uno a artistas colombianos visitando galerías,
exclusivos restaurantes donde las modelos japonesas pululan, allí los
colombianos, eran clientes de excepción, no era para menos, en el mítico Teatro
de Robert de Niro, Tribeca Cinemas, se llevaba a cabo por segunda
ocasión el THE INTERNATIONAL COLOMBIAN FILM FESTIVAL entre marzo 25 y 30
de 2014.
El acontecimiento sorprendió a muchos recién llegados, la alfombra roja recibiendo a los artistas colombianos con lujo de detalles, un gran grupo de periodistas y fotógrafos esperando que los directores, productores y actores bajaran de las limosinas y adentro, un cálido ambiente donde empezaba a gestarse una especie de revolución, de re-conceptualización del aporte de nuestro cine a la sociedad.
La curaduría del festival realizada por Juan Carvajal, director del evento y el gran trabajo de producción realizado por Adriana Aristizábal y René Mandeville, dieron sus frutos, el Festival fue un éxito rotundo, gracias al continuo y dedicado trabajo de la Junta Honoraria encabezada por Paola Turbay, Marc Alhonte, Anurag Agarwal, René Mandeville y Carolina Guerra.
Alfredo de la Fe
Las funciones para la prensa en el Instituto Cervantes sirvieron de marco inicial para la discusión crítica en torno a nuestro nuevo cine y las máquinas echaron a rodar las imágenes, un cine colombiano renovado, que sigue en parte las instrucciones de una maquinaria de exhibición que no da tregua a los creadores, pero al fin y al cabo, en esos linderos estrechos que han dejado los distribuidores a nuestras temáticas subsiste la necesidad de contar el pais, hacer memoria de las costumbres, los sueños y alegrías de nuestro país y porque no decirlo, dejan testimonio de la masacre nacional y también permiten divertirse, tomar un poco de aire y optimismo.
Chris Newman y Vianey
Al Festival de Oslo en Noruega y al Brasil, viajarán las películas ganadoras del Colombian Film Festival New York, las
películas exhibidas dan cuenta del nuevo orden del cine colombiano,
nuevas generaciones de cineastas como María Gamboa, Priscila Padilla,
Jhonny Hendrix, Carlos Zapata, Rubén Mendoza, Juan Zapata, Juan Carlos
Melo, Harold trompetero, Roberto Flórez y reconocidas actrices del cine
colombiano, Alejandra Borrero, Martina García, se hicieron presentes y
una amplia muestra de un cine validado por la experiencia como el del
reconocido Director Luis Fernando Pacho Botía quien presentó su premier
de El Faro en Nueva York. Además de los cortometrajes colombianos
proyectados en el Instituto Cervantes con la curaduría de Jaime
Manrique.
Al
evento asistieron personalidades del sector público colombiano, que
validan esta maravillosa experiencia, Claudia Triana, del Fondo
Proimágenes en Movimiento, Adelfa Martínez presentó las leyes vigentes
de estímulo a los creadores y productores, lo mismo que la ley para
inversionistas extranjeros que deseen rodar sus películas en Colombia,
los jurados del Festival, Silvana Paternostro, Nicolle Guillimet,
Soledad Correa, Chris Newman, Peter Weber, y Laurent Hammonds y la
participación especial de un gran grupo de colaboradores que hicieron de
este festival una fiesta inolvidable.
JARDIN DE AMAPOLAS Dirigida por JUAN CARLOS MELO GUEVARA
Jardín de Amapolas Dirigida por Juan Carlos Melo Guevara.
El
público se detuvo ante una majestuosa película, una historia contada a través
de los ojos tristes, de un niño, y su relación con su amiga de infancia, aquí
los ojos ven más, Jardín de Amapolas no sólo lleno de emoción al público, que
se levantó en su función de estreno en Nueva York, a colmar de aplausos a su
director y a su grupo de productores que se hizo presente, también dejó una
apreciable lección de humildad.
Una
película sin carteles que la precedieran , aunque ya era un hecho, Maja
Zimmerman, Chirimoya Films y Nación Latina Films habían hecho de la película
una cinta ganadora de premios: Buenos Aires, Copia Cero en Argentina, y premio
especial del Jurado en el Festival de Marsella, Francia.
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Un relato conmovedor, que pone de frente al espectador a través de una historia infantil, las problemáticas sociales más complejas. Si hay un público que desea ver a Colombia, encerrada en un pasillo, en un artificial salón de luces blancas, como si fuera un enfermo en espera, esta no será la película para ese público, Jardín de Amapolas es libre como el viento, verdes campos de tonos de ensueño que se aprecian desde las montañas, cierto humor negro y un tema que a todos nos compete.
Juan Carlos Melo, Maja Zimmermann, Camilo Escobar Gil, Milton Cabrera,
con Juan Carvajal, Director del Festival.
Juan Carlos Melo se
presenta aquí como un realizador comprometido, serio, alerta y dispuesto a
retar el diseño predispuesto por el mercado, el público en Nueva York ha
aprobado ese esfuerzo, lo comentamos antes de las funciones, este público no
negocia con las tendencias, va a ejercer el derecho a la libertad, opina,
y esta opinión de alcance internacional, el Premio de la Audiencia Univisión
41 del International Colombian Film Festival New York, lo ha dicho todo.
El reconocimiento, el Empire States, con grabados precolombinos, que diseñara
Nadín Ospina para este Festival, deja una huella en la memoria de todos,
Colombia es más que lo que se comenta tras las cortinas, de esos que acusan con
rabia el desfile de la masacre y que creen que escondidos podrán salvarse.
Había una pregunta
constante en Nueva York, ¿y por qué esta película no ha sido estrenada en las
salas de cine en Colombia? ¿por qué negarle este gusto al público? Es una
oportunidad para llamar la atención a los Distribuidores de cine en Colombia,
que nos acostumbran a un cine ligero que es rápidamente consumido y olvidado,
aunque se cuentan algunas excepciones de Directores honestos que aprovechando
las tendencias comerciales, hacen también una obra validada por el público y la
crítica, es tiempo de darle a la gente el sentido de libertad de expresión que
requiere, una democracia no manipula los temas expuestos ante los ojos de las
pantallas, ni pone al público en la confusión de parte de las jaurías,
Jardín de Amapolas en una gran película, dará mucho de
qué hablar y hoy podemos decir, en competencia franca con las realizaciones de
varios directores que poseen maquinarias, ha demostrado ser la más
aceptada por un público amplio y calificado.
PREMIO A LA MEJOR PELICULA DE FICCION
TIERRA EN LA LENGUA Dirigida por RUBEN MENDOZA
La noche de Tierra en la lengua en Tribeca Cinemas Ny.
Esta semana que murió
Gabriel García Márquez, estuve pensando acerca del realismo mágico, sobre un
artículo del poeta y ensayista William Ospina en el que sostiene la teoría, que
el realismo mágico no puede ser llevado al cine, y no sé por qué razón, la
terca soledad de estas calles me evocaba a Silvio Vega, el personaje de Rubén
Mendoza, en Tierra en la lengua, que es como un patriarca o un Aureliano
Buendía echado a menos, o un ángel como el ángel de García Márquez con
alas enormes pero a este, le cortaron las alas.
A veces la realidad nos
confunde, y el cine más, nos lleva de frente ante el espejo de la realidad y
nos confronta, este personaje lleno de matices, pero decidido en su integridad
de hacendado, resume la historia de muchos abuelos de nuestra tierra mágica. En
Tierra en la lengua transcurren los tiempos de la
violencia haciendo homenaje al paisaje, a la familia, al origen campesino,
a las cotidianas tareas de los hombres recios y mostrando también esa
decadencia cultural que viene de la mano con el absurdo.
Un hombre que es poderoso y
débil, un buen abuelo que sólo transmite su amor con su esencia de macho y que
como hiciera el realizador Mendoza, le marca la lengua a todos, como un fuego
que se queda en todos, te duele, pero te llevas la marca.
En La Sociedad del
semáforo Mendoza había hecho ya un retrato de la realidad de las calles
Bogotanas, una ficción delirante que mostraba en un fenómeno colectivo los
oscuros mundos de los hombres solitarios, que se reúnen en algún lugar, podrías
encontrarlos en el Bronx, en la L o en cualquier recodo del camino de la fría
Bogotá del fin de siglo pasado o en el siglo XXI. En esta película ese asunto
colectivo que nos compete a todos, que toca a la puerta sin avisar, el
secuestro, la muerte, el exterminio, en numerosas imágenes es una evocadora
muestra de poesía, que pareciera inspirada en Gottfried Benn, la sangre
brotando a borbotones, bautiza una familia, que es común, pero que como las
nuestras no tiene nada de común.
Fotograma de Tierra en la lengua Dirigida por Rubén Mendoza.
En ese lenguaje tan
personal del abuelo, vemos también la sinrazón de nuestra cultura, un lenguaje
aparentemente ajeno a los salones, los clubes y los mentideros Bogotanos tan populares,
pero que en esencia viene impreso en la memoria de nuestros nuevos citadinos,
que no son más que la proyección de una Colombia rural que fue llevada al
fracaso por la ignorancia de nuestros dirigentes, por el nepotismo y la guerra
que financia sus superficiales procesos políticos.
Ese lenguaje, que te hace
saltar de la silla mientras ves esta película, te genera una pregunta, ¿qué
quiere este director? en esencia esos abuelos son todos, sus
aciertos y errores han marcado a generaciones. Colombia es un país así,
con la lengua quemada y seca por un hierro rojo, no se da ventajas el uno al
otro, se desconfía del parroquiano, se mira con recelo, porque el que te sonríe
también será tu asesino.
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Fotograma de Tierra en la lengua Dirigida por Rubén Mendoza.
La historia transmite
esencialmente la olvidada cultura del llano, que se va perdiendo de a poco por
la ausencia de límites con la cultura citadina y es trofeo de la guerra de las
fuerzas en conflicto, el paisaje matiza por momentos la crueldad de la historia
y esa soledad va invadiendo al viejo que rodeado por su familia se va
entendiendo solo. Y el cadáver arrastrado sobre la tierra envenenada por el sol
canicular o la sombra de una cerca , siembran en nuestra sociedad una pregunta,
¿podrías saber cómo serán las nuevas palabras, cómo serán los nuevos hijos del
llano?
PREMIO AL MEJOR DOCUMENTAL
LA ETERNA NOCHE DE LAS DOCE LUNAS Dirigida por PRISCILA PADILLA
Fotograma de La Eterna Noche de las doce lunas, Dirigida por Priscila Padilla.
Producido por Gustavo
Pazmín y Priscila Padilla, La eterna noche de las doce lunas, un
documental muy bien cuidado, con un formato internacional envidiable por
cualquiera de nuestros talentos en el género, la realización de Priscila
Padilla, se llevó de lejos el premio al mejor documental en el festival.
Ese marco de tradiciones,
de un mundo desconocido para muchos, el oculto sistema de normas de la cultura
Wayuu nos permite hacer varias reflexiones en torno a las problemáticas de
memoria, tradición, libertad o esclavitud en lo contemporáneo. Como lo dice la
propia directora, estas costumbres, “no se sabría a ciencia cierta si son
heredadas de la cultura precolombina o la influencia mora”, se sabe Priscila Padilla, que el mundo árabe ha
influído fuertemente a esta cultura, la costumbre del encierro de las
adolescentes, parece ser heredada de esta cultura.
Como aporte yo diría que
como ejemplo, por tradición oral se sabe que los Mamos de la Sierra Nevada de
Santa Martha en Colombia encierran a los niños Mamos, por largas temporadas, es
posible que sea de allí de donde se hereda la tradición del encierro, puesto en
la cultura Wayuu, el encierro es una tradición de identidad y orgullo de las
mujeres, que tiene variados significados, mirado desde el punto de vista del
pensamiento occidentalista, el encierro podría verse como una costumbre de
extrema crueldad.
Este documental realiza un
seguimiento a esta costumbre, que en términos de lo que el Wayuu significa es
también una preparación de las niñas para ser mujeres, entregadas como mujeres
a hombres que ofrecen chivos o cualquier artículo de alto precio por ellas.
De esta forma, los días
solitarios bajo la sombra, obligado paisaje de oscuridad u olvido al que las
niñas deberán someterse, en este ritual paradójico, son contados en las
coloridas formas de las hamacas, las mochilas, los tejidos infinitos de formas
llenas de misterio que marcan el destino.
Harold Trompetero, Priscila Padilla y María Gamboa.
Como diría el sacerdote en misión y que pasa
por la aldea a hacer una misa, bautizando a los niños Wayuu, "esta
criatura, nació mora..." porque la influencia árabe persiste, aparece
a pesar de la resistencia y la evocación de un identidad cada vez más perdida,
una huella imposible de descifrar pero que se refleja en rituales, danzas,
músicas que se entremezclan. Ahora ya sabremos todos que es ser Wayuu, o al
menos, estaremos más cerca de interesarnos en sus hondos misterios.
La Eterna Noche de las Doce Lunas
La Eterna Noche de las
Doce Lunas hace
actualmente un viaje por el mundo, premiada en el Festival Internacional de
cine de Cartagena, se presentó en el Festival de Cine de Berlín, pasó por
Francia y ganó la réplica del Empire States dorado del Festival en Nueva York,
entre muchos otros reconocimientos. Una obra de arte maravillosa, que invita al
espectador a reflexionar, a mirar más allá, a reconocer nuestra paradoja, el Wayuu
puesto en esta época con sus costumbres, en contraste con una cultura
aparentemente proteccionista como la occidental, que realmente es la máxima
expresión del abandono, sabrá alguien de la palabra destino, sí, es la niña que
protagoniza el documental, que señala, que vale más que los chivos que
quisieron pagar por ella, su apuesta por ser educada antes que cambiada y
entregada en matrimonio al mejor postor, refuerza su humildad y belleza, el
tesoro del pasado, puesto de frente al sol del desierto.
LAS TETAS DE MI MADRE Dirigida por CARLOS ZAPATA
Carlos Zapata se convirtió en el Director revelación del Festival, con la película Las tetas de mi madre cautivó al público y al jurado internacional con una historia que ocurre en las congestionadas calles del Cartucho, donde todo se vende y todo se paga también con la muerte. En un contexto de la ciudad arrinconada entre el olor a sexo y la violencia desmedida, donde el rincón para ser no es más que lo que el destino nos marca, Las Tetas de mi madre nos permite conocer de la intimidad de la Colombia oculta, de los callejones de nadie. Carlos Zapata es un gran ejemplo para los nuevos directores colombianos, el cine colombiano como una experiencia posible, el premio de mejor película 100% colombiana será seguramente uno de los muchos galardones que tendrá en su record este joven director, que por fuera de los privilegios ha tomado un puesto en la cinematografía colombiana, el premio es sólo el comienzo de una carrera que se avizora seguramente como muy exitosa.
GUSTAVO ANGARITA
Adriana Aristizábal , Gustavo Angarita y Juan Carvajal.
Gustavo
Angarita, es un actor colombiano que se ha convertido ya en un ícono de la
historia de nuestro cine y la televisión, recordado por numerosos papeles,
entre los que ya las generaciones de la clásica colombia le brindaron su
admiración, por telenovelas, películas y series como: .
Revivamos
nuestra historia (1980-1983) Rasputín (1979) El
candidato (1978) Bajo la tierra (1968) El Bazar de los idiotas (1983)
La casa de las dos palmas, la película de Raul García Kalibre 35 y
su más reconocido papel, el de Juan Sayago en la película Tiempo de Morir
de 1985 Dirigida por Jorge Alí Triana, Gallows Hill, producción
norteamericana grabada en Colombia y recientemente en la película
Sofía y el terco de Andrés Burgos.
MATEO Dirigida por MARIA GAMBOA
Fotograma de Mateo, Dirigida por María Gamboa.
La polémica sobre si llevar
o no las historias de la violencia en Colombia al cine sigue, pero esa polémica
que se da en variados escenarios y en posiciones extremas también tiene
soluciones validas en puesta en escena, guiones menos polémicos, fuertes y de
posición, en esencia, Mateo es todo lo que nos gusta, una historia seria,
basada en hechos reales, que pone al descubierto los pormenores de la violencia
contra los jóvenes en el magdalena medio, producida por Daniel García, ganó
recientemente una mención especial del jurado en el Festival Internacional de
cine de Cartagena y se hizo acreedora al premio de mejor guión y mejor opera
prima del Festival de Cine de Miami 2014.
Con la dirección de
fotografía de Diego Jiménez, Mateo es una de esas historias conmovedoras, un
argumento que plantea serias problemáticas, una puesta en escena arriesgada con
jóvenes actores de teatro y escenarios maravillosos que nos dejan ver a una Colombia,
maltratada por conflictos que a veces suelen verse pequeños pero que afectan
totalmente el orden de comunidades enteras, Mateo es un llamado a mirar más
allá de la necesidad del entretenimiento, el arte por el arte y para el
fortalecimiento de los monopolios, este es un trabajo honesto del que muchos
deberían tomar ejemplo.
La historia de un joven
teatrero, que no sabe qué hacer con su juventud, si disparar del gatillo,
servir de informante para su tío paramilitar o enamorarse de la muchacha que le
gusta o de la vida misma, el personaje con múltiples opciones, que ve en su
casa el calor de su madre como único lugar para su protección y que tratando de
ser arrebatado por la guerra, genera una reacción pública de sus familiares y
amigos, es un mensaje contundente, la denuncia del asesino, la denuncia de los
negocios sucios y la reivindicación de la vida sobre la muerte.
EL FARO Dirigida por LUIS FERNANDO PACHO BOTIA
El Director de La Boda
del Acordeonista 1985 nos presenta su nueva película que entrará en
distribución próximamente, se trata de El Faro una historia
contemplativa donde el paisaje también es personaje.
El Faro narra la historia de amores y
desencuentros de 2 parejas que por las paradojas del destino están juntas en un islote presidido por ese
lugar único que guía a los viajeros, una historia de amor, de tono
contemplativo donde la soledad frente al mar, y el pasado, llena el espíritu de
sus personajes con la evocación de mejores tiempos, esas historias que se
repiten en el tiempo y que van más allá de la historia personal, está
contextualizada en la soledad reflexiva del sonido del mar, el sol implacable y
y el misterio del lugar personaje que nos muestra también en un tono
documental, una madura concepción del cine de Botía, un Caribe desconocido, un
silencioso Caribe que deja hablar a las olas.
Chris Newman y el Director de ZINETICA Rafael Urrea
el gato naranja
noticiero poético para américa latina
-sección zinética-
-sección zinética-
Director: Rafael Urrea Soto. Comité editorial: Mauricio Trujillo, Andrés Quintero, Víctor Gaviria, Juan Diego Velásquez Romero, Jandey Marcel Solviyerte, Carlos Calle Archila, Jaime Eduardo Jaramillo, Carlos Mario Uribe, Edgar Gonzalez, Raúl González, John Henry Orozco, Héctor Jaime Carvajal, León Darío Gil, Fernando Cuartas, Ulises Giraldo y Mario Armando Valencia. Participan desde Nueva York Julio David Gonzales, Buenos Aries (Argentina) el poeta Juan Gómez, desde La Paz Bolivia Carlos Idrobo y desde Sidney (Australia) Carlos Cuéllar.
contactos:
movielab_cdcine@hotmail.com
Publicado por PRENSAMOVIELAB / Encuéntrenos en Twítter como @ ZINETICA
Sección zinética
Edición Mayo de 2014
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